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展示概要

タイトル 青野文昭展 どくろ杯Ⅱ
アーティスト 青野文昭
会期 2012.07.06~2012.7.22
トークイベント 07.14(椹木野衣×青野文昭、司会・高熊洋平)

評論

行方を失うかたち
−−−−青野文昭の彫刻をめぐって

 もとより青野文昭は打ち捨てられ部分が欠損した生活物資を回収し、失われた細部を修復し復元することで彫刻作品を制作してきた。もっとも、彫刻といってもそれを「造形」と呼ぶのはむずかしい。これらの素材を通じて青野が試みているのは「つくる」のではなく−−−本人がしばしばタイトルに使っているように−−−−「なおす」ことだからだ。「つくる」のが、今この場には存在しないなにものかを目の前に立ち現すことなのだとしたら、「なおす」とは、この世に一度は存在したものを取り戻すことを意味する。つまり、両者の意識が向かう先は真逆ということになる。では、「なおす」ことを通じて成り立つ彫刻とはいったいどのようなものなのか。

 言うまでもないことだが、この場合の「なおす」はもと通りに「もどす」ことではありえない。もどしたくても、廃棄され匿名化した廃材の欠損部分がいったいどのような形状をしていたか、今ではもう確かめようもないからだ。けれども、「もどす」ことはできなくても「なおす」ことはできる。残された形や材質から過去に「あったはずの」原形を想像し、それに基づいて具体的な形と物をあてていくことは不可能ではないからだ。もっとも、その過程で否応無く様々な夾雑物が入り混じることにはなるだろう。この形状であればこの先はこうなっているはずだ、という思い込みや、こうあってほしい、という願望や、意図せぬ記憶から忍び込む無意識的な傾斜が混在するからだ。

 こうして青野の制作で「なおす」とは、作者のなかに眠る複数の思念を、残存する物を通じて呼び寄せ、交差させる機会となる。たがいに分離して共存しないはずのものが一体に融け込むことで「なおされる」のは、この交差のわかりやすい効果だろう。この点で、青野にとっての「なおす」とは、過去の「記憶」を紡ぎ直すことをも意味する。

 今回の個展でも、このような青野ならではの手法が、東日本大震災で発生した大量の瓦礫を素材に、様々な手法で試しなおされている。瓦礫が、持ち主を失い断片化した匿名の「もの」であるならば、青野にとってそれを「なおす」のはたやすいことであったはずだ。多くの死者・行方不明者を出した大きな災害のあとで、瓦礫を素材にして新たに作品を「つくる」ことが、どこか不遜に感じられるのに対して、瓦礫を通じて「なおす」ことは、失われた記憶を回復することにも通じ、ある意味、自然な営みということもある。

 としたら、ここで本当に問題とすべきなのはもっと別のことだ。それを端的に言えば、観る側からの視線が抜本的に変化してしまったことだろう。あの3月11日以前、青野の作品を地震や津波と結びつけて考えるひとは皆無に近かったはずだ。先に触れたような、美術や制作をめぐるもっと抽象的な「つくる」ことや「なおす」ことにかかわる観念的な問題として語られたはずだ。けれどもいま、そのような抽象性こそ、青野の作品から失われてしまったのだ。少なくとも青野が被災地である仙台在住の作家であるかぎり、東日本大震災という具体的な事象と本作はもう、堅く結ばれ、容易にはほどきようがない。たとえ青野の手法は変わらなくても、観る方が決定的に変わってしまったからだ。

 けれども、そのような災害にもかかわらず、青野の(方法ではなく)意識に変化がなかったといえば、それは嘘になるだろう。そうでなければ、今回の個展でわざわざ水害を連想させる船をかたどったり、被災地である石巻や閖上、宮古から素材を拾い集めたりはしないはずだ。つまり、変わってしまったのは作品を観る外からの視線だけではない。以前と手法は変わらないまま、作者自身が自作を見つめる目線もまた、大きく変わってしまっているのだ。

 3月11日以前、青野の作品は基本的には所有者が不明で匿名的な「もの」の立ち現れであった。けれどもいま、これらの作品は、かつてそれを手にしていた持ち主の不在を、いっそう呼び覚ます。今回の個展で青野の作品は、表面的な見え方は変わらぬまま、本質的には「なおされた」ものではなく、「うしなわれた」ひとを想起させる。かつて、それらのもののかたわらに居たであろう人の気配がするのだ。特定の誰というわけではない。青野の手を通じて「なおされた」これらの作品を構成する原基の持ち主は−−−作者の言葉を借りれば−−−−「代用」「合体」「侵入」「連置」を通じて、永遠に「行方不明」となっている。もともと居ない「行方不明」者をめぐる、ものとその所有の宙吊り状態が、図らずも生じているのである。

*2012年7月個展『どくろ杯・Ⅱ―他者性と不可避性について―』ギャラリーターンアラウンド(仙台)に際して

ライター:椹木野衣

The Form of That Which Is Lost
—Touring the Sculptures of Aono Fumiaki

Written by Sawaragi Noi

From the very beginning, Fumiaki Aono has been producing restoration and reconstruction sculptures, using discarded and partly damaged everyday materials he has collected. These sculptures do not really fall into the category of “Formative Arts,” as this art form Aono is experimenting with is not “creating,” but “repairing,” a title that he often uses for his artworks. If we think of “creating” as crafting a form that has never existed, “repairing” is instead bringing back a form that has once existed. Essentially, the mindsets associated with the two are completely opposite from each other. But what exactly is sculpture made by “repairing?”

Of course, this sense of “repairing” is not “reviving” an object to its original form. Even if one wished to “revive” such an object, there is no way to know what the disintegrated sections of these discarded, forgotten objects looked like. Although “revival” is impossible, “repair” is not, because “repairing” involves taking the remaining form and imagining what the original form “ought to have been,” and based on that imagined form, building the object back up into a concrete object. Perhaps one might say that through such a process, impurities will inevitably be worked into the object. Impurities caused by thoughts such as “an object originally like this would have ended up like this,” desires such as “I would like it to have been like this,” and unconscious memories, which creep in cause the “repair” to tend towards a certain end product.

But in this way, the “repairing” in Aono’s artworks allows the many dormant feelings of the artist that are summoned through these remnant forms to interact. Materials that should not naturally break apart or exist together have coalesced by “being repaired,” and this is one of the more obvious effects of this interaction. To Aono, this point makes “repairing” a way to reweave past “memories” together.    At this exhibition, the vast amounts of debris from the 2011 Tohoku Earthquake have been used as materials and “repaired” through many different experimental methods in Aono’s unique style. As fragments of debris that have lost their owners, these forgotten “objects” must have been to Aono forms that truly lent themselves to “repair.” Following the many deaths and missing caused by the earthquake, there is also a certain haughtiness in “creating” new artworks out of the remaining debris, whereas “repairing” this debris is a somehow fitting endeavor for bringing back lost memories.

This aside, the real issues lie elsewhere. Plainly speaking, the way that people look at Aono’s works has radically changed. Before March 11, 2011, Aono’s works would almost certainly not be associated with the earthquake and tsunami. As touched upon in the above paragraphs, there are conceptual points involved with the abstract notions of “creating” and “repairing” that concern art and production. However, Aono’s works have lost this abstractness. At the very least, as long as Aono is a resident of Sendai, one of the disaster areas, his works will be strongly linked to the very real and concrete events of the 2011 Tohoku Earthquake, and this bond will not easily be broken.

Setting aside the disaster, to say that Aono’s way of thinking (not his methods) has not changed would be a lie. If it was not, he would not have go out of his way to display in his current exhibition artworks such as a ship that conjures up images of flooding, or collect materials from disaster areas such as Ishinomaki, Yuriage, and Miyako. In other words, it is not only the way that people look at his works that has changed. While his methods remain the same, the way that Aono himself looks at his works has changed in a major way.

Before March 11, Aono’s works were for the most part forms that sprung up from lost “objects” that had no owners. But the artworks of this exhibition remind us of the absence of those who once held these objects. In this exhibition, Aono’s works have not changed in outward appearance, but their essence no longer reminds us of objects that have been “repaired,” but those who have been “lost.” And standing beside each of these objects is the presence of those who have been lost. Not any person in particular. The owners of the basic components of these objects that have been “repaired” by Aono are in the words of Aono himself, “substitutes,” “unions,” “invasions,” and “juxtapositions” of the “lost.” To see those who are not, the “lost,” objects and their owners in limbo, is something exhibited in the fullest here.

作家略歴

経歴

1968
仙台生まれ
1992
国立宮城教育大学大学院美術教育科修了
1996
ワークショップ 木・き・キ リアスアーク美術館(宮城 気仙沼)
1998
「なおす・無縁-有縁」 真木田村画廊(東京)
2000
アートみやぎ  宮城県美術館(宮城 仙台)
「青野文昭展」 リアスアーク美術館(宮城 気仙沼)
崇高と労働展 板橋区美術館(東京)
2001
VOCA展・現代美術の展望-新しい平面の作家たち 上野の森美術館(東京)
2003
幻想と幻視・混在領域と領域侵犯 平塚市美術館(神奈川)
2004
今日の日本現代美術展「共生する美術」 宇徳文化院 Wooduk Gallery(ソウル),
韓国日本大使館文化院 Silk Gallery(ソウル),京都芸術センター(京都)
「ソウゾウ(創造)するソウゾウ(想像)平面から」公開制作 宮城県美術館普及部(宮城 仙台)
2007
『N.E.blood21 Vol.28 青野文昭』リアスアーク美術館(宮城 気仙沼)
2008
『いのちの法則・生をひもとくための三つの書』足利市立美術館(栃木 足利)
2010
『第3回岩手県公会堂アートショウ』岩手県公会堂 旧石井県令私邸(岩手 盛岡)
2011
個展 『髑髏杯』 ギャラリー ターンアラウンド(宮城 仙台)
『会津・漆の芸術祭~東北へのエール~』(福島 会津若松市, 喜多方市)
ワークショップ「なおすとはどういうことか」島根県立美術館(島根)
2012
個展『どくろ杯・Ⅱ―他者性と不可避性について―』
[トークイベント 椹木野衣×青野文昭]
ギャラリー ターンアラウンド(宮城 仙台)
個展 『転生―それぞれの地表・流出・移植』SARP(宮城 仙台)
2013
アートレジデンス VERMONT STUDIO CENTER (バーモント・スタジオ アメリカ)
Play with Nature, Played by Nature  SATOSHI KOYAMA GALLERY(東京)
「あいちトリエンナーレ2013―揺れる大地―われわれはどこに立っているのか―場所、記憶、そして復活」(愛知県名古屋市ほか)

History

1968
Born in Sendai.
1992
Completed the Education Course of Fine Arts at Miyagi University of Education.
1996
“Workshop Wood, Ki・Ki・Ki”at Rias Arc Museum of Art. (Kesennuma Miyagi)
1998
“Restoration・Unrelated - Related”at Gallery Maki Tamura. (Tokyo)
2000
“Art Miyagi” at the Miyagi Museum of Art. (Sendai Miyagi)
“Aono Fumiaki Exhibition”at Rias Arc Museum of Art.(Kesennuma Miyagi)
“Exhibition of the Sublime and the Labour”at Itabashi Art Museum. (Tokyo)
2001
“VOCA –The vision of the Contemporary Art. --The New Generation Artists of the Plane Work”at the Ueno Royal Museum.(Tokyo)
2003
“Fantasy and Visual Hallucination・Mixture Area and Area Invasion”at the Hiratsuka Museum of Art. (Kanagawa)
2004
“Today's Japanese Contemporary Art Exhibition. --Coexisted Art--”at Wooduck Gallery (Seoul South Korea),
Embassy of Japan in Korea, Silk Gallery (Seoul South Korea), Kyoto Art Center(Kyoto),
Imagination from Creating. --From the Plane Art--”OPEN STUDIO at the Miyagi Museum of Art. (Sendai Miyagi)
2007
“N.E.blood 21 Vol.28 AONO FUMIAKI” at Rias Arc Museum of Art. (Kesennuma Miyagi)
2008
“Law of the Life・Three Books to Read the Life”at Ashikaga Museum of Art. (Ashikaga Tochigi)
2010
“Art Show of Iwate Prefecture Public Hall. Vol.3 ” at Iwate Prefecture Public Hall, IshiiKenreitei. (Morioka Iwate)
2011
“Aono Fumiaki Exhibition Scull Cup” at Gallery TURNAROUND (Sendai Miyagi)
“Aizu・Art Festival of Urushi. --Yell to Tohoku--” (AizuWakamatsu, Kitakata Fukushima)
“Work Shop. --What is the Restoration?--” at Shimane Museum of Art. (Shimane)
2012
Aono Fumiaki Exhibition “ Scull Cup・Ⅱ. -- Others Characteristics and Inevitability -- ”
“Talking Event・Sawaragi Noi×Aono Fumiaki” at Gallery TURNAROUND. (Sendai Miyagi),
Aono Fumiaki Exhibition “Reincarnation. -- Each Surface of the Earth・Outflow・Transplant --”
at SARP. (Sendai Miyagi)
2013
Artist in Residence, VERMONT STUDIO CENTER. (USA)
“Play with Nature, Played by Nature” at Satoshi Koyama Gallery.(Tokyo)
“Aichi Triennale 2013. --Awakening--. --Where are we standing?--
”Place, Memory, and Resurrection”(Nagoya Aichi, others)